Первое что хотелось бы представить, это моя любимая эпоха - Эпоха Возрождения Эпоха Возрождения в Италии (XV-XVI вв..) дала миру много выдающихся людей и среди них по праву первое место принадлежит Леонардо да Винчи, Рафаэлю, Микельанджело и Тициану - мастерам, которые сумели в своих произведениях в наиболее совершенной форме отразить идеалы эпохи, ее высокое представление о человеке, о его всепобеждающем разуме и безграничных творческих возможностях. Энгельс назвал эпоху Возрождения "величайшим прогрессивным переворотом" и тем самым определил ее революционную роль. В городах, возглавивших борьбу против феодалов, новый экономический уклад вызвал к жизни новые общественные отношения. Города стали центрами светской культуры, стремившейся порвать с религиозными устремлениями средневековья. Светское мировоззрение нашло свое выражение в науке, литературе и философии и с особой полнотой раскрылось в изобразительном искусстве. В основе искусства Возрождения лежит интерес к человеку, утвердившему свое земное господство, осознание красоты реального мира. Стремление правдиво и точно изобразить человека и окружающее его пространство обусловило тесную связь искусства с наукой. Огромную роль в формировании нового мировоззрения сыграла античность с ее культом прекрасной, гармоничной личности. В Италии с древнейших времен в большом количестве сохранились остатки архитектурных сооружений и произведения скульптуры, особенно много их было в Риме. В XV веке, в эпоху так называемого Раннего Возрождения, были заложены основы реалистического искуcства, достигшего наивысшего расцвета в творчестве мастеров Высокого Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микельанджело и Тициана. Самый старший из блестящей плеяды великих мастеров Возрождения Леонардо да Винчи (1452 - 1519), работавший главным образом во Флоренции и в Милане, проложил пути для развития искусства Высокого Возрождения. Это было время, когда создавались произведения, полные глубокого общечеловеческого смысла. Сохраняя традиционные библейские и евангельские сюжеты, мастера Возрождения вкладывали в них жизненное содержание, раскрывали свое представление о мире и человеке. Так, например, знаменитая "Тайная вечеря" из евангельской легенды превратилась у Леонардо в подлинную человеческую трагедию: измене и предательству художник противопоставляет чувства чистые и благородные. "Мадонна с цветком" Леонардо и, хранящаяся также в Эрмитаже, его "Мадонна Литта" являются воплощением нежного материнства, а "Мона Лиза" по праву считается одним из самых прославленных портретов эпохи Возрождения. Леонардо гармонически сочетал в себе художника, теоретика и ученого. Недаром Энгельс говорит о том, что Леонардо "был не только великим художником, но и великим математиком, механиком и инженером, которому обязаны важными открытиями самые разнообразные отрасли физики". Как художник Леонардо стал знаменит еще в конце XV века. Его творчество - одна из вершин реалистического искусства прошлого, и даже современники понимали, что произведения Леонардо знаменуют собой новый этап в развитии искусства. Рафаэль был младшим современником Леонардо (1483 - 1520). Когда ему исполнился 21 год, он приехал во Флоренцию, которая была тогда крупнейшим центром культуры Возрождения. Флоренция стала подлинной школой Рафаэля. Здесь он изучал произведения мастеров XV века и своих великих современников - Леонардо и Микельанджело, много занимался науками. Когда двадцатипятилетний Рафаэль оказался в Риме, он был уже в полном расцвете творческих сил и таланта. В это время Микельанджело только что приступил к росписи плафона Сикстинской капеллы в Риме. Рафаэлю же было поручено украсить фресками покои папы Юлия II в Ватикане. Слава пришла к нему рано, сразу же после создания первых фресок. Рафаэль за свою короткую жизнь, кроме ватиканских фресок, создал большое число портретов и мадонн. Его знаменитая "Сикстинская мадонна" - один из величайших шедевров мирового искусства. Все то, чем Рафаэль владел в совершенстве - четкая, ритмичная композиция, ясность, поэтичность и гармоничность образов, - весь сложный арсенал средств художественного выражения - никогда не были для него самоцелью, а служили для прославления красоты и благородства человека. Когда юный Рафаэль приехал во Флоренцию, там уже была установлена на площади огромная мраморная статуя Давида, создатель которой Микельанджело (1475 - 1564) поразил современников титанической мощью своего искусства. Прославление прекрасного в своем подвиге человека - основная тема искусства Микельанджело - гениального скульптора, живописца и архитектора. На протяжении всей своей долгой жизни он оставался верен этому идеалу. Микельанджело был страстным республиканцем, патриотом своего родного города Флоренции, независимость которой он защищал с оружием в руках. Многие из своих произведений он создал в период наивысшего расцвета Возрождения. К их числу относятся Давид, Моисей, "рабы" и потолок Сикстинской капеллы. Художник был свидетелем трагедии, которую переживала его родина, стонавшая под игом иноземных завоевателей, раздираемая внутренними распрями. Иногда Микельанджело охватывало глубокое отчаяние. Оно отчетливо звучит в таких поразительных по глубине мысли и совершенству исполнения произведениях, как скульптуры гробниц Медичи. Однако до конца своих дней гениальный скульптор не терял веру в человека, в его силу и высокое назначение. В то же время, что и Микельанджело, работал и четвертый мастер из этой великой плеяды - Тициан (1485/90-1576). Он жил в Венеции, судьба которой сложилась иначе, чем судьбы Флоренции и Рима. Несмотря на то, что с конца XV века Венеция утратила свою гегемонию на море и перестала быть великой морской державой, она осталась независимой и не испытала тех потрясений, которые охватили почти всю Италию. Поэтому в XVI веке Венеция становится своего рода оазисом, в котором незыблемо сохраняются устои искусства Возрождения. Красочная жизнь этого удивительного города, его живописная и необычайная природа нашли отражение в искусстве Венеции. Венецианские мастера - это прежде всего замечательные колористы. Первое место среди них принадлежит самому блестящему представителю венецианского искусства - Тициану. Осязаемая, чувственная красота мира и человека, неповторимая прелесть и обаяние природы служили художнику неиссякаемым источником вдохновения. Счастье и радость жизни - основная тема Тициана в раннем периоде творчества. В более поздний период - художника все больше привлекает раскрытие внутреннего мира человека, его отношения к окружающей действительности. Таков "Портрет Ипполито Риминальди" - один из величайших шедевров мирового портретного искусства. Леонардо, Рафаэль, Микельанджело и Тициан шли разными путями, но для каждого из них человек представлял собой величайшее творение природы. Это являлось главной темой их творчества и основой всего искусства Возрождения. Высокая идея о человеке раскрывается в гениальных творениях этих великих мастеров с наибольшей полнотой, именно потому они по праву считаются наиболее яркими представителями своей эпохи.
Отправлено: 17.04.08 01:25. Заголовок: Леонардо да Винчи (1..
Леонардо да Винчи (1452-1519). Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа) 1478 г. Холст, масло. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
Эта картина - одно из ранних произведений Леонардо. Художник полностью порывает с религиозной традицией, и его Мадонна ничем не напоминает "царицу небесную", строгую и торжественную, какой ее принято было изображать на иконах. Также не похож на иконописный образ и младенец Христос - маленький ребенок с пухлым тельцем и большой головой. Знание анатомии и пропорции человеческого тела, а также умение использовать светотень для выявления формы позволяют художнику создать вполне земной, выразительный. предельно жизненный образ. Мадонна Леонардо - молодая, счастливая мать, играющая со своим сыном, который пытается отнять у нее цветок и весь поглощен этой игрой. Мотив игры матери со своим ребенком подчеркивает земной характер образов Леонардо. Счастье материнства и радость земного бытия - такова основная тема этой картины.
На протяжении всего своего творческого пути Рафаэль постоянно обращался к образу Мадонны, что давало ему возможность раскрыть чувства матери во всем их многообразии и глубине. "Мадонна делля Седиа" (в переводе "Мадонна в кресле") - одна из самых очаровательных мадонн Рафаэля. По преданию, он создал ее под впечатлением увиденной на ступенях церкви в Риме красавицы-крестьянки, кормившей ребенка. Пестрый, народный костюм мадонны подчеркивает глубоко земной характер образа, а композиция "Мадонны делла Седиа" дает возможность раскрыть нежную любовь, которая связывает два существа. Круглая форма картины не кажется надуманной, она определяется самим расположением фигур: мадонны, склонившейся над ребенком, и мальчика, прижавшегося к матери.
Микельанджело (1475-1564). Сотворение Адама 1512 г. Фреска Сикстинская капелла. Рим
С 1508 по 1512 год Микельанджело по заказу папы Юлия II расписывал плафон Сикстинской капеллы в Ватикане. Он пользовался главным образом сюжетами из библии, но основной смысл композиций, украшающих своды капеллы, отнюдь не религиозный. Это - в первую очередь прославление человека, его творческих сил, духовной и физической красоты. Одной из наиболее совершенных композиций плафона является "Сотворение Адама". Образ бога, пробуждающего к жизни первого человека, лишен какого бы то ни было элемента религиозности. В нем раскрывается представление эпохи Возрождения о человеке, о его неукротимой воле и безграничных творческих возможностях. По мановению руки творца оживает прекрасное тело Адама - олицетворение мужественной красоты. В этой фреске с наибольшей полнотой воплотилась вера Микельанджело в человека, как самое прекрасное и самое совершенное творение природы.
Тициан (1485/90-1576). Кающаяся Магдалина 1560-е гг. Холст, масло. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
Христианская легенда о раскаявшейся грешнице - Марии Магдалине послужила Тициану поводом для изображения молодой, красивой венецианки в момент глубокого душевного страдания. Она вся охвачена искренним и неподдельным горем, глаза ее полны слез, веки припухли и покраснели, рот полуоткрыт, а правая рука прижата к груди как бы для того, чтобы сдержать рыдания. Весь облик Магдалины глубоко человечен, все в этой женщине полно подлинно земного очарования: и ее нежная кожа, и выхоленные, изысканной формы руки, и длинные, мягкие, шелковистые волосы, и прозрачная слеза на щеке. "Кающаяся Магдалина" принадлежит к позднему периоду творчества Тициана, когда его живописное мастерство становится удивительно свободным, а кисть по-настоящему виртуозной. Отличительной чертой этого периода Тициана является стремление внести в свои произведения элемент драматизма и психологической выразительности.
Отправлено: 05.06.08 23:50. Заголовок: Аньоло ди Козимо ди ..
Аньоло ди Козимо ди Мариано, известный как Бронзино, родился 17 ноября 1503 года во Флоренции, - а точнее, в ее пригороде Монтичелли, расположенном сразу же за городскими стенами. О семье и детстве живописца мы почти ничего не знаем. Даже Джордже Вазари, чьи "Жизнеописания", как правило, изобилуют подобными сведениями, на сей счет хранит молчание. Один из современников Бронзино, правда, говорит, что родители его были "людьми честными, смиренными и бедными". Нам приходится удовольствоваться этой скупой информацией.
Учителем Бронзино был Якопо Понтормо, один из известнейших художников своего времени. Вскоре Понтормо стал не только наставником, но и близким другом своего ученика, а затем даже усыновил его (будучи всего на девять лет старше Бронзино). Возможно, последнее Понтормо сделал, чтобы облегчить сыну "бедных и смиренных" родителей путь к успеху.
Бронзино, в свою очередь, поступив в мастерскую Понтормо приблизительно в 1515 году, не расставался со своим учителем до самой его смерти (Якопо Понтормо умер в 1556 году). Самая большая совместная работа учителя и ученика - росписи для флорентийской церкви Санта-Феличита, выполненные ими в 1526-28 годах. К этому времени Бронзино настолько хорошо усвоил манеру наставника, что теперь даже специалистам сложно установить авторство того или иного фрагмента этих фресок.
О самостоятельной работе Бронзино в эти годы говорить сложно, поскольку до нас дошли лишь считанные его полотна, находящиеся к тому же в сквернейшем состоянии. Можно лишь предположить, что к 1530 году живописец уже успел составить себе имя. Именно в это время его пригласили в Пезаро, где он пробыл почти два года при дворе правящей городом семьи делла Ровере. В 1532 году Бронзино написал портрет герцога Гвидобальдо делла Ровере (это самая ранняя из точно датированных работ художника).
Закончив этот портрет, Бронзино возвратился во Флоренцию. И сразу же, по просьбе Понтормо, принял участие в работе над оформлением виллы, принадлежавшей семейству Медичи. Как ни странно, искусствоведы не могут найти на этой вилле ни одной работы, которую с уверенностью можно было бы приписать Бронзино.
В 1537 году герцогом флорентийским стал Козимо I Медичи, унаследовав этот титул от своего убиенного двоюродного брата Алессандро. Козимо Медичи мечтал о том, чтобы его двор затмил пышностью и великолепием дворы прочих европейских правителей. Дабы воплотить в жизнь эту мечту, он собирал вокруг себя лучших скульпторов и живописцев. Бронзино получил первый заказ от герцога в 1539 году. Ему поручили "художественно оформить" торжества по поводу бракосочетания Козимо Медичи с Элеонорой Толедской, дочерью вице-короля Неаполя, который принадлежал в то время испанской короне. С этого момента Бронзино становится любимым мастером Медичи. Вплоть до самой своей смерти художник верой и правдой служил при дворе Медичи, выполняя многоразличные герцогские заказы (среди них были и парадные портреты членов семьи, и росписи в Палаццо Веккьо, и даже картины, которые Козимо Медичи посылал в дар своим политическим союзникам).
Costanza da Sommaia
Приблизительно в 1548 году Бронзино посетил Рим. Вполне возможно, что эта поездка состоялась по инициативе и при финансовой поддержке Медичи. В Риме мастер впервые увидел работы Микеланджело. Его фреска "Страшный суд" в Сикстинской капелле поразила Бронзино.
Сразу же по возвращении во Флоренцию художник получил заказ на большой алтарный образ "Воскресение Христа" для церкви Сантиссима Аннунциата. Эту работу Бронзино смог завершить лишь через пять лет, в 1552 году. В этом же году он написал для церкви Санта-Кроче алтарный образ "Сошествие Христа в чистилище". Находясь под обаянием религиозных полотен Микеланджело, Бронзино пытался следовать его манере.
Сошествие Христа в Чистилище (фрагмент)
С течением времени Бронзино стал уделять все больше времени религиозной живописи. Наивысшим его достижением в этом жанре считаются фрески, созданные для флорентийской церкви Сан-Лоренцо. Этот заказ достался ему "в наследство" от Понтормо, который успел лишь начать работу над ним. Бронзино счел своим долгом завершить дело умершего учителя и приемного отца. Многие из этих фресок, к сожалению, погибли, но одна из них - "Мученичество святого Лаврентия" (1565-69) - все же сохранилась. Хотя "Мученичество святого Лаврентия" и не относится к числу наиболее известных творений художника, следует отметить, что эта фреска выполнена с большим мастерством.
В 1562 году умерла Элеонора Толедская, пользовавшаяся искренним уважением и приязнью Бронзино. А в 1564 году не стало боготворимого мастером Микеланджело. Череда горьких утрат повергла художника в глубокую скорбь, которую он излил в цикле сонетов. Тяжко болен был и неизменный покровитель живописца, герцог Козимо Медичи, из-за болезни почти отошедший от дел. Принцем-регентом при нем стал его сын Франческо. Молодой правитель не спешил предложить Бронзино место придворного художника. Тем не менее, мастер, "по старой памяти", продолжал работать по заказам семьи Медичи. Принимал он участие и в оформлении торжеств по случаю бракосочетания Франческо Медичи, состоявшегося в 1565 году. В договоре особо оговаривалось, что часть работы Бронзино (ввиду преклонного возраста) может передать своим ученикам.
Учеников у Бронзино было достаточно. Выделяется среди них Алессандро Аллори, весьма талантливый художник. Его отец был другом Бронзино. Он умер, когда Алессандро минуло всего лишь пять лет. Бронзино усыновил мальчика и взял на себя все заботы о его воспитании, повторив поступок своего собственного наставника, Якопо Понтормо. Вазари свидетельствует, что живописец относился к Алессандро Аллори с большой нежностью.
В 1563 году во Флоренции открылась Академия художеств, ставшая первым учебным заведением подобного рода в Европе. Бронзино был избран одним из ее руководителей. Другим - избрали Мике-ланджело. Последний принял это назначение с радостью, но, живя в Риме, разумеется, не мог принимать деятельного участия в жизни Академии. К тому же он вскоре умер. Третьим руководителем (думается, скорее "почетным", чем действительным) стал Козимо Медичи. Таким образом, основное бремя хлопот по обустройству и управлению Академией неизбежно должно было лечь на плечи Бронзино. Трудно представить себе более удачную кандидатуру на должность главы столь необычного в те времена заведения. Ведь Бронзино был не только выдающимся художником. Кроме живописи, мастер увлекался поэзией и слыл во Флоренции одним из умнейших и образованнейших людей.
Академические дела отнимали у Бронзино очень много времени. И все же художник находил в себе силы писать. Он полностью посвятил себя религиозной живописи, почти оставив жанр портрета, принесший когда-то ему славу. Правда, не все религиозные полотна мастера публика принимала благосклонно. Многие полагали, что обнаженная натура, которую Бронзино смело включал в евангельские или житийные сцены, способна пробудить в зрителе скорее непристойные, чем возвышенные и благоговейные мысли и чувства.
Святое семейство (фрагмент)
В последние годы жизни Бронзино помогал в работе его приемный сын Алессандро Аллори. Он же и закончил некоторые полотна, оставшиеся незавершенными после смерти мастера. В середине ноября 1572 года Бронзино тяжело заболел, а 23 ноября умер на руках своего ученика. Похоронили его во флорентийской церкви Сан-Кристофоро.
Джордже Вазари во втором издании своих "Жизнеописаний знаменитых художников" назвал Бронзино "самым значительным из живущих ныне флорентийских живописцев". Бронзино действительно был таковым. Укрепляло его положение и высокое покровительство герцога Козимо I Медичи.
Сейчас о Бронзино помнят, прежде всего, как о выдающемся авторе блестящих парадных портретов. Однако было бы неправильно считать его исключительно портретистом. Мастер с большим успехом работал в самых разных жанрах - от фресок до миниатюр. К сожалению, время безжалостно обошлось с творческим наследием художника - значительная его часть бесследно пропала. Особенно горюют искусствоведы об утраченных декорациях, которые Бронзино создавал по случаю торжеств при дворе Медичи.
Составить представление об этих работах мы можем только по воспоминаниям современников и нескольким дошедшим до нас наброскам самого художника. Не сохранились и фрески Бронзино, украшавшие некогда виллы семейства Медичи.
Огромное влияние на становление манеры Бронзино оказал Якопо Понтормо, его наставник и приемный отец. Временами художник настолько точно имитировал манеру Понтормо, что современные специалисты затрудняются установить авторство в тех случаях, когда учитель и ученик трудились над росписями рука об руку (а такое бывало неоднократно). Оба они были великолепными рисовальщиками и стремились к тщательной отделке деталей. Однако со временем Бронзино в поисках собственного стиля стал отдаляться от Понтормо. Его работы приобрели сдержанность (в то время как полотна Понтормо подкупают зрителя именно "накалом страстей").
Аллегория: Венера и Купидон
И Понтормо, и Бронзино были яркими представителями течения, известного ныне как маньеризм. Джорджо Вазари, друг и биограф Бронзино, употреблял этот термин для обозначения манеры письма, характерными чертами которой являются изящество, взвешенность и утонченность. Но уже в XVII веке термин "маньеризм" был дискредитирован. Маньеристами стали называть живописцев, отошедших от величественных идеалов Высокого Возрождения. Всякая надуманная композиция с фигурами, изображенными в неестественных позах, считалась "маньеристской".
Какие только хулы не низвергались на головы маньеристов! Эпигоны, прозябающие в тени титанов Возрождения. Плагиаторы, оскверняющие достижения великих мастеров. И так далее. Надо ли говорить, что подобная точка зрения на маньеризм не выдерживает никакой критики - она предельно упрощена. Хотя, увы, иные итальянские живописцы вполне соответствовали этому распространенному стереотипу. Признаем, что внес свой вклад в такое понимание маньеризма и Бронзино.
Так, его работа "Мученичество святого Лаврентия", несмотря на всю свою величественность, показывает, к какому результату может привести слепое следование Микеланджело и Рафаэлю. Обнаженная натура, в избытке заимствованная художником у этих мастеров, переполняет картину и превращает ее, по выражению одного из критиков, в "смесь балета и турецких бань".
Однако необходимо отметить, что маньеризм "не только плох, но и хорош". Например, удлиненные фигуры и странные позы, которые так любили маньеристы и за которые их так громили критики, действительно иногда способствовали созданию особого эмоционального лада картины. Кроме того, нельзя отнять от маньеристов изысканности. Она не всегда бывала к месту (сцены мученичества святых - яркий тому пример), но светские полотна от нее подчас только выигрывали.
Бронзино редко удавалось достичь в своих работах высокого эмоционального напряжения (характерного, скажем, для ценимого им Микеланджело). Вышеупомянутое стремление к изысканности мешало художнику достигать тех "высот духа", что были "освоены" мастерами Высокого Возрождения. Но героические и религиозные полотна не были истинным призванием Бронзино. Полнее всего его талант воплотился в светских работах. В особенности заслуживают внимания его портреты, которыми он и прославился далеко за пределами родной Флоренции.
Козимо I Медичи не мог бы найти для себя лучшего придворного живописца, чем Бронзино. Ни один из живших во Флоренции в те времена художников не был в состоянии сравниться с Бронзино в умении мастерски создать парадный портрет. Блеск доспехов, сияние драгоценных камней, фактура богатых тканей - все это мастер умел передать, как никто другой. Кроме того, идеализированные образы его покровителей обладают и необыкновенным портретным сходством. Такие портреты и были нужны могущественному семейству Медичи.
В воспоминаниях о художнике часто повторяется одно любопытное свидетельство. Будто бы Козимо Медичи собирался заказать свой парадный "образ" великому Тициану, но, познакомившись с работами Бронзино, отказался от этой мысли. Герцог обнаружил себя на портрете Бронзино именно таким, каким хотел себя видеть. Мудрым правителем, непобедимым воином и аристократом до мозга костей.
Нам почти ничего не известно о том, как была организована работа в мастерской Бронзино. Но известны имена некоторых учеников мастера, среди которых выделяется Алессандро Аллори. Впоследствии приемный сын Бронзино стал единственным флорентийским художником, сохранявшим заповеданный ему наставником отточенный стиль. Остальные флорентийские живописцы нового поколения предпочитали писать в более свободной и менее изысканной манере Джордже Вазари. Возможно, эти предпочтения были связаны не столько с душевными склонностями молодых художников, сколько с недостатком мастерства.
К началу XVII века обе разновидности маньеризма ("по Бронзино" и "по Вазари") утратили свою актуальность. На смену им пришел более натуралистический стиль письма. Но, несмотря на эту смену ориентиров, многие придворные художники, работая над парадными портретами своих сюзеренов, придерживались канона, заданного Бронзино. Его портреты членов семейства Медичи надолго сохранили за собой роль образчиков официального портрета. Учитывая ту роль, которую сыграли Медичи в судьбе Флоренции, и то положение, которое занимал при их дворе Бронзино, можно сказать, что художник навечно вписал свое имя в историю родного города. Он оставался одним из самых знаменитых флорентийских мастеров даже в те времена, когда маньеризм подвергался гонениям (и, что хуже, забвению). (c) Энциклопедия искусства
Все даты в формате GMT
6 час. Хитов сегодня: 0
Права: смайлы да, картинки да, шрифты нет, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация откл, правка нет
Одобряю.
- участник сейчас на форуме
- участник вне форума